紀宇芳

WHITE LIGHT

紀宇芳..Yu-Fang Chi

國立台南藝術大學應用藝術研究所‧金工藝術創作組畢業
國立新竹教育大學藝術與設計學系‧兼任講師

2010入選,日本ITAMI國際工藝展
2010入選,Soft西班牙第四屆國際纖維時尚配件雙年展
2009特別獎,第六屆韓國清洲國際工藝競賽


輕盈的想望，以各種姿態巧妙穿梭於作品之間
塑造出一件件趨近於漂浮、游離的物件
進而導引出一種亟欲把身體拉離地面的反重力…

彷彿自手中飄離，引渡著身體向上昇華

作品以自然、有機的形象作為主軸
衍生出諸多帶有生機的藝術首飾、金屬物件

白皙、燦銀的線材
構築出趨近零度的清冷，彷彿滑行般…

藉由靜止無聲的方式
形塑出游移、飄忽的輕盈姿態

陳佐

INTO BLACK

陳..佐..Chen Tsou

復興美工
米蘭.MARANGONI.設計學院


終年罕見甘霖的肯亞
馬賽人將陰雲密布的蒼穹視為繁榮景象
這是少數對[黑]友善的人類

之餘

能被賦予的
即是死亡的味道

而我

始終著迷這個意味深長的顏色

如此

低調且大器
沉默也執著
純粹亦複雜的色彩

李俊陽

李俊陽 Jiun-Yang,Li

1967‧生於台東

個展
1995 《逝去情境與新生命的來臨》‧理想國狀況藝術空間‧台中
1997 《七彩迷魂轎》‧X世代畫廊‧台中
1998 《童年的祭禮》‧大溪大道藝術館‧桃園
2000 《絕地逢生：黑色筆祭》‧二十號倉庫‧台中
2003 《葉繪羽翼舞舞飛》‧赫德蘭藝術中心駐村藝術家‧舊金山
2009 《妙工呼嚕嚕》黑白切、Gallery107‧台中
2010 《誰人演動故事衣》非畫廊‧台北
‧‧..《妙工卍卍玩》非常廟藝文空間‧台北
‧‧..《妙工呼嚕嚕》高苑科技大學藝文中心‧高雄
‧‧..《妙工呼嚕嚕─李俊陽個展》小畫廊‧高雄


聯展
1995 《百花齊放－大度山人文工作者群展》‧理想國狀況藝術空間‧台中
1998 《台中二十號倉庫第一屆駐村藝術家複選文件展》‧二十號倉庫‧台中
2002 《驅動城市2000中途站》裝置聯展‧華山藝文特區‧臺北
‧‧..《神遊台北－第四屆台北藝術節》‧松山菸廠‧台北
‧‧..《群魔亂舞－台灣當代素描展》‧誠品畫廊‧台北
2003 《台灣當代行為錄像展》‧豆皮文藝咖啡館‧高雄
2004 《兄弟姐妹大明星》CO4前衛文件展‧華山藝文中心‧台北
2005 《七彩迷魂妙》平行輸入展‧台北當代藝術館‧台北
‧‧..《五形‧五行-台灣當代常民劇場》‧高雄市立美術館‧高雄
2008 《那光》金枝藝術‧苗栗
2009 《綠野仙蹤關渡首部曲-漂流木裝置藝術》關渡美術館‧台北
‧‧..《剝皮寮藝條通-混搭當代藝術展》剝皮寮‧台北
‧‧..《喜劇-北藝大20週年》關渡美術館‧台北
‧‧..《一日十年-20號倉庫駐村藝術家聯展》20號倉庫‧台中

呂浩元

呂浩元 Lu, Hao-Yuan(1981~)
生於台灣台中
1999-2004國立臺北藝術大學美術系
2007 ..畢業於國立台北藝術大學美創所
聯展

2012 《藝變者遊行》，國立臺北藝術大學關渡美術館，台北，台灣2010 《每日製作》，關渡美術館 ，台北，台灣
2012 《台中藝術博覽會》，長榮桂冠酒店，台中，台灣
2012 《王哥柳哥和她的女人》，呂浩元/蔡依庭聯展藝譔堂，台北，台灣
2012 《AHAF藝術博覽會》，香港，中國
2011 《夏可喜當代藝術@北京CIGE》，北京，中國
2011 《夏可喜當代藝術收藏入門展》，夏可喜藝術沙龍，台北，台灣

個展

2012 《呂浩元2012個展》，Art door藝境畫廊，台北，台灣
2010 《呂浩元2010個展》，小畫廊 ，高雄，台灣
2009 《呂浩元個展》，KING空間，新竹‧台灣
2007 《呂浩元個展》，新思惟人文空間和平店，高雄，台灣

團體創作

2001 「二○○一南北新人獎」﹝赫島社﹞‧臺北
2003 「柯賜海個展」﹝G8藝術公關顧問公司﹞‧臺北
2003 「臺北雙年獎」﹝赫島集團﹞‧臺北
2004 「台灣新藝獎－二○○四年度最佳策展評選｣﹝赫島基金會﹞‧台灣
2005 「台灣獎－前進威尼斯」﹝赫島社﹞．義大利威尼斯

獎助

2002-2003 高雄市『駁二藝術特區藝術村』駐村藝術家
2008 國立台灣美術館典藏 ‧ 臺中

白宗晉

白宗晉(1962~)

1986 輔仁大學物理系畢

1991 芝加哥藝術學院碩士畢MFA



展覽(節錄)

1997「盧曼尼亞」個展,淡水縣立文化中心

1998「四下無人”」個展，中銘畫廊，臺北

1998「斜斜地--白宗晉個展」，臺北市立美術館

1999「剪築計畫-白宗晉小型素描展」，美國文化中心，臺北

2000「單翼機原型」個展，湯藝術，臺北

2004「有夠看」陳文祥、楊仁明、白宗晉三人展，明新科技大學藝術中心，新竹

2008「小甜心」，伊通公園二十週年慶展，台北

‧‧..「老幹新枝又一春」，大未來畫廊，台北

2010 「顯聖、意識」，聯展，小室畫廊，台北



聯展則包括日韓美等國際交流展等四十餘次。



白宗晉年輕時的創作啟動歷史堪稱傳奇，1986年以生平第一幅水墨作品入選北美館當代水墨展，陶藝抽象文字浮雕作品也一次拿下優選獎於北美館展出，也曾以首篇散文獲得輔人大學文學獎首獎與新詩第三獎，而入選或獲獎於北美館展出之鼓舞使他決定正式轉入「文藝青年」的創作生涯領域。



退伍後1989年春以業餘初學之姿獲「雄師美術新人獎」佳作與北美館之「水墨創新獎」優選算是生涯起始，此年在其當代水墨符號繪畫雛形已成，並於同年秋進入美國排行第一名校攻讀創作碩士，1991年於芝加哥藝術學院取得碩士，在校其間曾競得全額學費減免榮譽獎學金、與全校畢業競賽立體類組第二名之殊榮。1994年歸台除創作外也曾擴及雜誌藝評寫作三十餘篇，並任彰化師範大學美術系兼任講師至今。



白宗晉早期大型立體作品「盧曼尼亞」（Lumanian）系列試圖在理性的「系統思維」尋求系統消逝點來推敲藝術中「系統」之變異原理。朋友戲稱白博士，好讀哲學與愛談星座八字易經等等的他在二十年後的帶來的最新水墨作品，是其承接1986年開始的符號思維進行更成熟的演化，企圖在符號邊緣地帶測試符號系統，並以此「邊緣化」試探之手段展開當代水墨之平原。

羅得華

羅得華 (1964~)

1964　出生於台北萬里
1983　協和工商美工科畢業
1989　進入琉璃工坊，開始接觸到玻璃這個藝術媒材
1994　前往的西雅圖Pilchuck Glass School學習， 並開始導入工作室概念
‧‧‧（studio），把琉璃導向一種個人的純藝術創作 。
1996　成立工作室「琉璃藏」於三芝

展覽
1996　光的演出聯展於玄門藝術中心
1997....宜蘭國際社區博覽會聯展
‧‧‧.五人聯展於竹東名冠藝術館
‧‧‧.琉璃光聯展於郭木生文教基金會
1998 ...桌上型雕塑展於高雄福華沙龍
‧‧‧.與火邂逅─家庭擺飾器皿展於高雄福華沙龍
‧‧‧.琉璃光個展於玄門藝術中心
1999　琉璃光─概念燈飾發表於國際世貿中心
2001...壢新藝術生活館個展
2002...神秘的曜變琉璃─羅得華琉璃個展
2005.「琉璃與光」智邦藝術基金會個展
2006 「琉璃新思惟」羅得華個展
2009 「山水承香」羅得華琉璃展

即將爆發金色能量
大地和她的高貴靈魂
看見星球眼睛的華麗眼神
奔騰在銀河性格中
祕密與祕密之間延伸著
吐露暗香在她們之間飄浮
山林沉思著山林
熱愛生命的種子
吟唱沉默的花影詩歌
聆聽一朵歡喜
在悠然離開之後的夜
輕輕灑滿一地

龍祈澔

龍祈澔


走入虛擬館，任何感知都能透過數位虛擬被人類的器官感受。數位時代的來臨，使人們已不必透過親臨現場便能夠有如臨時境的感受，感官大量接收數位化的資訊，如：數位文字、圖片、音樂、3D…無所不在，人類已被大量的虛擬數位化所包圍，不自覺的以假為真，甚至比真實還真實。龍祈澔便認為：「虛擬世界中的那種被提煉轉化後的真實，是某種認知經驗的聚合物，且有著具體的意識連結。去物質化的環境物件只剩下表象，卻依然散發著被轉移自真實空間的在場經驗。」

他長期關注這方面的議題，﹝表皮深度﹞系列的作品便是透過數位化的電腦後製，取用人們最常見，但並不怎麼被注意的題材，以圖像輸出印刷的方式，將影像裱褙在風扣板上，製作出宛如實物的立體作品。這些影像被龍祈澔拿來借喻人類在認知上的逐漸表皮化的現象。實體的影像，可以透過電腦軟體的製作，被借用其表皮（圖像），使人透過表層影像的感知，便能喚起觀看者的視、聽、嗅、觸、味五感經驗，甚至擴張出想像連結的經驗空間。

我們可以從（人行道）之作看到，龍祈澔借用人們最常見的人行道影像圖片，透過3DMAX軟體的製作之後，就像蓋模型一樣，四件一組，以影像重覆的排列組合，製作出乍看之下合乎實景，但卻違反透視原理的影像。它借用了原來物理性意義的表皮圖像，以傳達作者對虛擬、影像表皮化現象的議題探討。就如創作者所言：「此種表象的世界不只可全面地連結該物件於真實環境型態的意識經驗，更因為擁有數位資料的結構而少了物理限制，並產生出像是，意涵超連結，空間重組，樣態變換的形式。」

若單從作品的展示效果來探討，龍祈澔是否僅只是借用圖像來表達觀念的藝術家，其他的因素都不在乎呢？其實不然，這一系列的作品仍然保留著傳統繪畫在肌理處理上的依戀，雖然是圖片的輸出，卻虛擬出極為迷人的肌理效果，這類美感經驗的傳承，來自於傳統學院的教育訓練，類似複合媒材製造出的肌理效果，非常的「繪畫性」，絲毫沒有電腦製作所常產生的冰冷感。此外，在影像的取材與排列組合上，也仍考量到形式表達的美感問題，結構上非常的嚴謹，透過重複影像的排列組合以達到視覺上的完美構圖。

最近風靡全世界的電影「阿凡達」，帶來不同已往的視覺效果與震撼，這影響必定會帶給人類更新的感官體會與認知。透過此項科技的普及與運用，必將更能滿足人類感官的感受，使影像與真實之間更加難以分辨。

鄭秀如

鄭秀如 Cheng, Hsiu-ju(1976~)
現任‧國立虎尾科技大學兼任講師
國立台南藝術大學藝術創作理論博士班
國立台南藝術大學造形藝術研究所畢業
國立台灣藝術大學美術系畢業

在中國水墨畫的繪畫觀裡，並不把白看成是無，反而是充滿著各種的想像性，與實體存在的物件相對應，互相依存。這樣的美學觀不僅反映在繪畫上，也在建築、書法、篆刻等藝術之表現上。鄭秀如創作的美學觀雖然與中國古老的美學觀不盡相同，但她對於虛與實、白與黑(存在物)之間的探討，卻有著表面上異曲同工的效果。

但若深究他創作的動機，卻發現鄭秀如在這方面的探討，本源於自我存在感的理性辯證過程。這理性的思辯包括二層的意義，首先。她認為：「當主體在空間裏移動時，經常會在停留時候，才發覺與空間的關係。…在十坪大的空間裏，存有歸屬的感受，可能只有三坪，因為只有在那三坪的區塊中，能感受到我的存在。」顯然的，就這層意義來說，虛實不過是建立在自我關係上的取捨，任何事情都難免被遺忘，與自己相關的、記憶清晰的便存在，其他的就以漆白的方式處理，「猶如莫名的耳鳴一樣所產生的頓時空白」。在黑格爾的關於主人與奴隸的筆記中指出：人類只能透過他人的承認獲得認同。當鄭秀如創作獨處時，他在真實的空間之中以線條化手法留下的區塊裏的物件（他人），不過只是在藉由極為個人化的圖騰符號來證明自我的存在。

然而，若從白與黑(存在物)之間的角度來看，意義卻似乎是相反。在他以極簡、漫畫似的線條表達物件時，其實視覺上是非常虛幻、不真實的；反而是物件之外的漆白空間才是真實、實體存在的。若從這層意義看來，真正能證明創作者存在的反而是實體存在的空白空間。

在看鄭秀如的作品，不論是空間裝置或平面繪畫，她似乎沉醉在這樣的哲學思辯之中，因此，想要能理解她的作品，必須先有一番哲學的體悟才能進入她的作品裡。近年來，她開始嘗試將作品「平面化」，當她的作品轉化成以畫布二度空間的形式表達時，不再存有實體空間的意含，關注的焦點回歸到畫面物件與空白之間的「佈白」關係，藉由每個畫面的不完整，去做空間的拼湊，不論是消失的空間，或者是空間中消失的物件，虛實轉換的思辯始終是他作品裡最大探討的課題。(文/林振莖)

鄭楚玄

鄭楚玄
現任國立故宮博物院器物處線繪圖員
華梵大學美術系

不擅於言詞的鄭楚玄，反而在畫的世界裡找到言說的自由。畫要感動於人，必先自己先有感覺；鄭楚玄尋找繪畫創作的題材，都是從能讓他有所感覺的人、事、物入手，如家人、女朋友、心愛的寵物…，因為熟悉，所以畫起來特別有感覺，也特別能感動於人。

在卡漫風潮的影響之下，鄭楚玄找到他繪畫發展的方向，由於他的學院訓練的寫實技巧特別紮實，使他的描繪能力能夠處理到特別細緻的地步，不論在空間的營造、用色的掌握上，都展現出優異的處理能力，以古典繪畫的質感來處理極為時尚、甜美的題材，使畫面看起來像是一位外表穿著時尚但內在卻散發著古典韻味的女人。

然而，鄭楚玄的繪畫不同於時尚的卡漫風格之處，在於他的故事性與耐看的畫面質感。他的每件作品背後皆有一段故事，只有作者有鑰匙可以打開故事的劇本，述說他私密性的故事內容，這些故事並不一定合乎邏輯，有時只是夢境的一小片斷內容，有時是對現實的反映，有時卻像是超現實般的天馬行空…，如果不透過作者親自的解說，想要破解他作品背後宛如摩斯密碼的內容是幾近不可能的，例如：畫面中常出現的貓原來是自己的化身；又如看來美麗，五顏六色的泡泡，在畫家眼中卻代表著瞬間即逝的淡淡哀愁；又像蜷曲如指紋狀的蕨類植物，想不透的，卻是象徵時光回溯的渴望，…聽他說故事的內容，或許聽來令人莞爾一笑，或許丈二和尚，摸不著頭緒，但也讓畫裡出現的每個物件都產生了意義，引人進入他的畫裡去拼湊、尋找藝術家所要傳達的「意旨」，透過符碼的解讀，使原本單純愉悅的圖像有著令人更為深刻的意含。

除此之外，他的表現手法與插畫造型和平塗的扁平風格也不同，湊近畫面細看，我們可以發現，原本以為趨近扁平的畫面，事實上卻一點也不扁平，原來是精準技巧所造成的必然效果，讓他的畫面沒有多餘的筆觸，也沒有顏料厚厚的堆疊，延續著古典繪畫的處理方式，細膩而柔美。雖然他的繪畫初看之下仍不脫卡漫、插畫的影響，帶有裝飾性，但紮實的古典繪畫技術，使他的作品看來並不庸俗，甚至還滿「古典風」，也頗「耐人尋味」。

他的畫，或許會讓人感覺缺乏深度，但其實故事性十足，只是端看你願不願意聽；而畫中吸引人的地方，是耐心及細膩堆疊出的質感，使你不經意會越看越近；雖然，不能否認的，他的畫非常的甜美與討喜，但這不正是符合這世代年輕藝術家的時代繪畫風貌嗎？ (文/林振莖)

黃朝政

黃朝政
西班牙國立瓦倫西亞綜合科技大學(la Universidad Politécnica de Valencia)博士班
台灣藝術學院美術系

寬廣的畫路讓黃朝政的藝術表現非常的豐富。高中時學西洋寫實油畫，大學時一開始又接觸雕塑，之後進入水墨畫的世界。台藝大畢業後，遠負西班牙求學，又受到西班牙當代藝術思潮的影響。這樣的學習背景讓黃朝政畫路呈現出多樣性，可以在他的作品之中看到中西藝術風格融匯的痕跡。綜觀他的作品，在風格上，寫實和抽象都畫；在媒材上，不論壓克力、油畫、鉛筆、水墨…也都嘗試，由於目前他尚在西班牙求學之中，所以將自己定位在學習的階段，期許自己有如海綿般的廣泛學習是他目前的想法。

我們可以從他近期的作品創作，分二個面向來加以探討。首先探討黃朝政的寫實油畫作品，其寫實技巧在高中時期便已奠下紮實的基礎，但真正發展成為自己的畫風則是到西班牙之後，由於西班牙的學習環境及受西班牙當代畫家羅培茲的影響，使他創作了一系列以肉為題材的寫實作品，他擅長透過聚光的效果，非常寫實地將清晰、鮮紅，帶著血淋淋的肉塊端放在你眼前，彷彿讓你能聞到肉體的腥羶味道，營造出詭異，甚至有點恐怖的畫面。最近他開始嘗試以人物為題材作畫，尺幅都是超過百號的大畫，大畫面不僅更能展現出他的寫實功力，也更令人在視覺上感受到震撼。

除此之外，他以壓克力顏料發展的畫風，卻是與寫實繪畫相反的抽象繪畫。這類繪畫透過筆觸、肌理的製作，呈現出純然材質所散發出的視覺美感。然而值得一提的是，近年來之作，他進一步融合了東方人不同於西方對於線條處理的美學經驗，以及對畫面空間講求虛與實的概念。因此，他的抽象畫不再純然是透過潑灑、刮痕、筆刷、網紋…等肌理效果來營造視覺性的感官感受，還加入了東方美學的思想在裡頭。如﹝黃色律動﹞之作，作者透過不斷重複的黃色筆觸組構畫面，所要探討的不再只是純粹視覺可感的美感經驗，相反的，他透過運筆的過程，專注的卻是筆觸與筆觸之間空白的部份，在他的眼中，白色的部份才是畫面中最迷人之所在。這種對空白的認知，來自於水墨畫的影響，實際上已有東方美學的哲學意含在裡頭。而另一件作品﹝綠之詩﹞也是如此，特別的是他在技術的運用上，先以黑色圓點打底，再點上綠色的圓點，不僅增加空間的層次感，同時製造出近似中國顏料石青色的感受，溫潤而不鮮明，顯然是受中國水墨的影響所致。

在黃朝政的身上，我們看到一位去國留學的藝術家，在作品創作上，如何吸收西方的長處，如何適切的保留東方美學的優點。他可以游走於寫實與抽像的風格之間，也可以融合東方美學與西方技術於一爐，因此得以造就出他今日多元豐富的繪畫風貌。 (文/林振莖)

許銘仁

許銘仁
紐約州立大學 (SUNY New Paltz) 藝術創作碩士(MFA)

在藝術史裡風景畫有其傳承的脈絡，發展至今風景的觀看已經融合了太多層的意涵，許銘仁以此作為創作的母題，必定是對自己的能力很有信心，並有著突破時代的侷限的意圖。

這一系列的作品《在山的彼方》，以台灣的山景作為題材，台灣的山色之豐富，已經有許多畫筆詠嘆，許多文字描述，更有許多的音樂歌誦。許銘仁以自己獨特的、細緻的感受，所接受到的其實是「山的絮語」，流盪在自己記憶裡的，時而清楚，時而模糊。這種龐大的、細密的對自然的審視，他選擇用最直接、單純的素描方式來呈現。

許銘仁特別選擇粉彩筆和腊筆作為創作媒材，手指直接的感受顏料，直接且單一的與空白的畫面對話。這些瞬間的筆觸所創造出來的肌理效果，有時細緻綿密，有時又猛烈原始、交織著一股強韌的生命力量。他的作品經常需要反覆的加筆、修改、放置，不斷累積著自己(或環境？)的生命歷程，所以這位藝術家在和自己作品對話時，儼然成為一位觀者，這種複合的角色轉換，互相的對話，使得這一系列的畫作不僅僅是個人情緒或精神的宣洩，在感性的線條筆觸中，有著理性的空間佈局，達到視覺上和諧的效果。

純粹以一個觀者的角度，來看《在山的彼方》那些線條、筆觸等形塑出來的景色，意外的有凝聚觀眾的視線的效果。以大眾被餵養的很麻木的視覺認知中，對於非具象的繪畫，不用炫麗的色彩、扭曲的造型，單純的以筆畫擦染來營造空間感，和畫面的流動性，這是很不容易的達到的，藝術家必須不斷的焠鍊自己的畫筆，甚至是創作的思路，才能夠累積到足夠的能量，放到畫上。

從台灣走到國際，許銘仁在紐約的學習經歷，在藝術創作上，除了努力的吸收各種刺激，接觸各類創作者和作品，他也不停的反問自己，尋求藝術最終的本質。讓他回到台灣來重新的探尋的那股力量，如同他的創作般，是不斷的回溯、洗刷著畫面(記憶)，重新的刻印，層疊著，最後這些線條(追尋)，都是烙在作品裡，使得線條不單只是記憶的痕跡，而是藝術家逆著時間所抓住的片刻。 (文 / 林以珞)

莊家勝

莊家勝 Chuang, Chia-Sheng(1970~)

學歷

2002      東海大學美術研究所畢業

創作經歷

1999  馬祖第三波駐站藝術家

2001  屏東半島藝術季駐站藝術家

2003  台中市現代眼畫會會員

           文建會鐵道藝術網絡-枋寮藝術村駐村藝術家(2003-2006)

           屏東半島藝術季駐站藝術家

2005    糧食庫房藝術工作群成員

2008      97年屏東藝術季駐村創作藝術家

個展

1999      狀況展示空間〈不見悲歌〉雙個展  台中

2000      屏東縣立文化中心〈儀式-邊緣〉個展  屏東

            得旺公所〈不見悲、歌〉個展  台中（國藝會補助）

2002  東海大學閣樓畫廊〈合境平安〉個展  台中

2003  台中市文化局動力空間〈離散-關於’漂’〉個展  台中

           屏東縣政府文化局〈新圖〉個展  屏東

2004      文建會鐵道藝術網絡枋寮藝術村〈離散-關於’蹻’〉個展 屏東（國藝會補助）

2006  糧食庫房〈2006首展〉個展     高雄

2008  糧食庫房〈空相〉個展        高雄（國藝會補助）

2010  逢甲大學藝術中心〈行者〉個展  台中

2011  耀紅名茶藝術空間〈九月鳳凰〉個展  台北

2012  一一畫廊〈甜蜜台灣〉個展  高雄

 

聯覽：

 

1997  新濱碼頭〈螺旋梯〉聯展  高雄

1999  第三波馬祖駐站藝術家-牛角畫室〈邊境守望〉聯展  馬祖

1999  東海大學藝術中心〈大度山的記憶〉聯展  台中

2000  竹師藝術空間〈大度山的記憶〉聯展  新竹

2000  苗栗市藝文中心〈眷戀原鄉〉聯展  苗栗

2000  台中縣立港區藝術中心〈女藝-男聲〉聯展  台中

2001  台中市文化局動力空間首展〈彩蝶墨花衣世紀〉聯展  台中

2001  國立台灣美術館〈10+10=21 台北<>台中〉聯展  台中

2003  台中市文化局〈現代眼2003-現代精神、時代意義〉聯展  台中

2004  台中市文化局〈現代眼2004-看啥？MINI〉聯展  台中

2005  台中市文化局〈現代眼2005-畫無展吾〉聯展  台中

2005  國立台灣美術館〈E術誕生-台灣藝術新秀展〉聯展  台中

2005  枋寮F3藝文特區-藝術家作品全國巡迴展

2005  高苑科技大學藝術中心〈漂藝-現代眼12人聯展〉聯展  高雄

2005  枋寮藝術村〈海洋〉聯展  屏東

2005  枋寮藝術村〈島嶼、漂移〉地景裝置聯展  屏東

2005  糧食庫房〈做醮‧入庫〉植入行動展演  屏東

2005  糧食庫房〈新物種催生計畫〉聯展  高雄

2006  南台科技大學藝文中心〈變藝解境〉聯展  台南

2006  台北華山藝文特區〈台北國際藝術博覽會〉  台北

2006  都蘭月光小棧畫廊〈夢艷/夢靨？-妳我凝視相遇的瞬間〉糧食庫房聯展  台東

2006  台中市文化局〈2006現代眼新象展〉聯展  台中

2007  橋仔頭糖廠藝術村〈第二屆金甘蔗影展-24H糧食庫房〉影片展  高雄

2007  高雄市立文化中心〈元神氾遊-糧食庫房〉聯展  高雄

2007  糧食庫房〈10萬噸4C炸藥-新糧食庫房〉聯展  高雄

2007  高苑科技大學藝術中心〈元神氾遊-糧食庫房〉聯展  高雄

2007  台中市文化局〈2007現代眼〉聯展  台中

2008  台灣新藝〈元神氾遊-糧食庫房〉聯展  台南

2008  國立台灣美術館〈現在完成進行式-現代眼畫會27年展〉聯展  台中

2008  台中市文化局〈2008現代眼大展〉聯展  台中

典藏

2001  屏東文化局 半島藝術季典藏作品"近鄉情怯1-3"

2003  屏東文化局 半島藝術季典藏作品"半島意象"、"礁山水"

          文建會 青年繪畫作品典藏"儀式-渡"

2004  文建會 青年繪畫作品典藏"祈天"
 

2008  國立台灣美術館 作品典藏"菩提樹系列1-5"

2010  屏東縣議會 作品典藏"無盡藏-漫遊"、"海洋1-3" 、"祝福1-3"

初看莊家勝的作品，首先好奇他那版畫般效果的畫面，接下來，則被他使用的顏色所迷惑，密密麻麻的長點，充滿原始的生命力，像一頭不馴養的野獸，直撲而來。畫中騷動不安的情緒隱含在絢麗的色彩中，層疊在線條的渦漩裡，彷彿南台灣的天氣般，豔陽高照卻令人頭昏目眩。

因為畫面呈現很容易讓人迷惑其中，所以觀看他的畫作時，常會有一知半解的似懂非懂的疑惑。看他的畫時，必須從線條的漩渦中、色彩的妍麗中拉出來，仔細的觀看，就能發覺作品迷眩的表層之外，那種細膩的層次處理，必定是對材質有強烈敏感度的藝術家才能做到。莊家勝特別喜愛嘗試不同的媒材創作，顏料畫在不同的媒材上，如報紙、水彩紙、畫布等，因此他每件作品的質感皆不相同。

他的作品有兩部分強烈的特色，畫作上如雕刀般的筆觸，一刀一刀刻出推疊的質感，有時綿延成渦旋狀，有時纏綿成麻花捲，有時像似小孩子畫圈圈，造成版畫般的效果。這種效果絕非創作者的特意模仿，而是一種筆觸的記憶，來自於創作者的成長環境─東港。由於東港每年舉行燒王船送走瘟疫的祭祀活動，宗教活動非常興盛，祭典儀式中經常出現傳統民間木刻版畫圖騰的應用，對於莊家勝來說，這種生活的印記悄悄地被刻在畫筆中。另一項特色是，畫面豔麗跳耀的色彩，有如水波粼粼的閃光。原色的效果導致色彩強烈的對比，透過小筆觸的推疊排列，有如同歐普藝術般的眩目效果。然而他的筆觸中透露出來的自然感，是直覺性的而非經過刻意設計；他的色彩雖然帶有傳統民間的用色，在個人修養特質的轉化下，雖然妍麗卻不顯俗氣，帶有讀書人的氣質。

就創作內容來說，要能理解莊家勝的作品，必需進入到他的世界之中；因為作品中的一切形象，是起於他的心而形諸於外的。正如他自己所說：「在創作過程中，個人以經營作品的態度同時也經營自己的當下生活，作品大部份的圖像是生命中種種似真如幻的造型，提供個人與宇宙及大地生命脈動的氣息相連接，綿密的筆觸營造，期使整體結構豐沛而緊密，在此也讓自己身心安頓、踏實，畫面並無一定的焦點，而是做全面性的擴張延展，個人以一種接軌的方式，自然能形塑出形的可能，並無期待要創造某種符號。」所以，在他看來，作品中的形象，皆是虛妄，只不過是靜默下內心滿盈之後，所轉換成的繪畫符號形式，是他默想性的符號。因此，我們要理解他的畫，對於畫什麼，其實可以不用那麼注意，而是應該要去感受他畫裡散發出的生命的力度與情景的深度。

這位成長於屏東東港漁村的畫家，南台灣炙熱的陽光，多樣的植物，豔麗的色彩，樸拙的人民性格，以及宗教的信仰…早就無形之中成為他創作的元素，成就出他作品的地域性特色。你或許很難想像，一位外表看來斯文、身形略顯消瘦的他，內在散發出的能量卻是如核能發電般那麼地巨大。 (文/林振莖)

莊宗勳

莊宗勳 Chuang, tsung-hsun

現任 高雄實踐大學兼任講師
2009 入國立台南藝術大學造形藝術研究所博士生
2007 國立台南藝術大學造形藝術研究所畢業
2001 國立台灣藝術大學美術系西畫組畢業


自從資訊爆炸的時代降臨之後，如何能夠化繁為簡，快速刪減出需要的資訊成為現代人非常必備的能力，否則你可能被資訊所淹沒。同樣的，當手機一代一代的快速升級，功能越來越多時，對於回歸到操作最簡單的渴望也就越強烈。

當大量的圖像、影像在人的面前快速流動時，上述現代人的能力與渴望便被啟動。莊宗勳此次參展的作品﹝丁丁之當代生活圖示﹞，便是在這樣的思念運轉之中產生。這些圖像非常的簡單，它們反映的是創作者的心理狀態：當身處於今日龐大且複雜的社會時，所渴求的是擁有一個如說明書或是圖示的「生活指南」，讓眼前正面臨的新事物被化約為一種簡單的操作，讓生活被迅速的瀏覽與理解。

他如此說道：「圖示在經驗中是一種簡易的理解事物的圖形，甚至有時會是一種操作手冊或是指南。最常見的比方說DIY用品隨盒附上的一張如何組裝的說明圖，或是飛機起飛前教導乘客如何使用機上設施及逃生指南，這些種種的圖示比文字更簡易的使我們理解外在世界。而且這種觀看對照著眼前的現實，也是現實遭遇的一種複本；這複本(圖示)消去了許多不需要的干擾，讓這圖示起最簡潔有力的作用，也就是讓眼前正面臨的新事物被化約為一種簡單的操作。舉個例子來說，當我們打開新購買的產品時複雜的內部及繁複的組件令人眼花，這時參佐隨附的圖示(說明書)簡要說明就變得相當重要。它分解了許多複雜，讓一個一個零碎的片段得以被組裝起來。」也因此，你可以看到他這一系列的作品都非常的簡單易懂，就跟產品的操作說明圖示一樣。

不過，令人好奇的是，這系列的作品，為何總是充斥著嬉戲愉樂的場景呢？莊宗勳認為：「工業革命後，我們的生活起了很大的變化，原本該付出的勞力與時間被機器所取代。於是我們就多出了很多的時間可以被浪費或消遣，這些多出來的多餘時間讓我們窮極無聊的漫遊著，生活的空間從勞動場所移動至休閒空間，這種生活樣版模型也真確的反映我們的生活面向，日常生活的某總普遍性的奇異景象。」也因為如此，歡樂聲最多、最純真的遊樂場，便成為他借喻最主要的表現主題了。

莊宗勳的作品，在看似簡單、歡愉的畫面底下，有著嚴肅的社會觀察；他的畫面處理，也有某種的策略性，符合了今日盛行的卡漫風潮，以接近漫畫式的表現方式，帶點「輕鬆」或「Kuso」的調調。然而，無論如何，由於他的作品來自於生活與體會，因此非常的真誠，更重要的是能表現出獨特的自我風貌。(文/林振莖)

洪紹哲

洪紹哲
台灣師範大學美術研究所

初看洪紹哲的作品，想必會被他寫實的畫風所吸引，但更令人著迷的是幾近潔癖似的純淨畫面。畫中細膩的筆觸，加上透過攝影機輔助補捉的即景畫面，他的畫中世界宛如無塵室般，只能隔著一層玻璃遠遠觀看。年少時的洪紹哲，曾經熱中於比賽，早期在聯邦美術新人獎的推動之下，沉浸在「類古典」的畫風之中，因此讓他技巧越磨越好，奠下寫實的基礎。之後，在西班牙當代畫家安東尼奧‧羅培茲（Antonio López）的影響之下，他拿起相機在都市叢林裡漫無目的的隨機拍攝，陰天的風景最能吸引他的注意，反映當時心中對未來不確定的焦慮之感。透過繪畫，就像是心理治療般，藉由手的描繪動作找到長期壓抑卻無法宣洩的出口。

大學時期，或許走累了，洪紹哲由戶外再度回到室內，以周遭最親密的人事為主要繪畫題材，但是他不再迷戀傳統透視學建構出的寫實繪畫風格，這已經無法滿足他尋求風格突破的渴望，藉由毛玻璃解構形體的繪畫形式，成為洪紹哲試圖尋求突破的嘗試。從2007年開始，創作了﹝注視﹞、﹝曾經﹞、﹝實現﹞、﹝關於﹞等等「視界」一系列的作品，透過對毛玻璃的凝視，以無數個小方塊的平面色格解構形體，從尚能辨析的﹝注視﹞之作到﹝適者生存﹞的作品，形體逐漸模糊解放；細看每個小方格，筆觸的處理也由﹝曾經﹞之作的細膩平塗轉變為﹝點點﹞作品的刮刀推疊，洪紹哲試圖藉由形體和筆觸的解放找到別人沒有的觀看視點。雖然有人認為這是受到照相寫實風格的影響，但不同於人與照相機比技術的冰冷處理方式，洪紹哲的畫作充滿著自己的情緒。除此之外，照相寫實的表現手法，通常近看如小方塊的筆觸，遠看則形構出如照片般的超級寫實畫面，而他則是藉由小方塊來解構形象。

自小個性低調的洪紹哲，不喜歡出風頭，不喜歡受注目，因此總喜歡躲起來做自己的事。他不喜歡被觀看，因此，反映在作品之中，有形（毛玻璃）無形（疏離的氣氛）中架構起洪紹哲的安全領域，給人一種畫裡畫外之距離感。在畫裡，除了他自己，都是他熟悉的人事物，自成一個與世隔絕的桃花源；而畫外觀畫的人，永遠像是外地來的人，看不清楚他們，也格格不入。近年來，受到卡漫風潮的影響，風格趨近裝飾性，如﹝祈禱﹞和﹝點點﹞系列的作品，以時下最流行的平塗法，配合貼金箔、方形的筆觸，增添可愛的趣味性，在「去蕪存菁」的畫面處理之後，使造型的純粹性更顯得純粹。(文/林振莖)

柯偉國

柯偉國 Ke,Wei–Kuo
國立台灣師範大學美術研究所畢業

歷代從事水墨畫者，最難之處便是繼承與創新。水墨畫龐大的歷史傳統，如果沒有慧根，很容易陷入窠臼而出不來。而創新之困難，難在於要畫出與古人之不同，非天才者所不能也，不是有人說，近代五百年來，只出了一個張大千，可見難度之高啊！

但是，不因為如此，喜愛者就有所退縮，水墨的「高深莫測」還是讓許多人癡迷。柯偉國便是一頭栽入者。他科班出身，一路復興美工、華梵大學美術系、台灣師範大學美術研究所的磨練，早已練就一手精湛的寫實功力，使他早期參加比賽屢獲大獎，得到肯定。雖然如此，仍不能說他已練得上層功夫，水墨畫豈是一個寫實技術可以道盡玩完的一門藝術，如來神掌最後一式「萬佛朝宗」的參悟才是關鍵。

預提升作品的品質，就得先提高自己，也就是人如其畫之意。他明白個中道理，因此開始勤練書法，廣泛吸收新知。開始從家鄉的寫生入手，胸有成竹的家鄉景色，表現起來確實氣勢不凡，與眾不同。如（寒聲日幕起新愁）、（風喧草薰一溪雲）、（秋氣清野漲汐原）等之作，細筆描寫九份、金瓜石的蘆葦漫生，特別能得其味。知名書法家李蕭錕將之命名為「台灣水墨風景線」。

但必須要說的是，畫境要高，不在於景，乃在於筆墨，更在於品格。同樣的，這時期不足之處也在此，偏向素描式的線條，過於著象不免無法超以「象」外，境界之提升非靠寫生而來，這道理自古已知，所以才會提出仍得「中得心源」的說法。

（出雲）、（閉眸）、（閑雲出岫）等作品，可以看出他這方面的進展。如（閉眸）之作，尺幅頗大，遠看一片白，近看則許多細筆層層疊疊，不明究理之人以為是抽象畫。其實不然，反而非常「寫實」，深知九份、金瓜石者便知，多雨、多霧、多山乃此地區之特色，這幅畫便是描繪山色被雲霧罩上薄紗之景，非常真實。但這張畫的特色不在此，而是筆觸所推疊出的層次感，層次之精彩與豐富，如同「江派山水」的墨染法，非細看不得其義。這是跳脫了「象」的局限進入到「意」的境界，乃如美學家宗白華所說，化實景而為虛境，一片自然風景是一個心靈的境界。

然而，要成就自己，創新乃是必要；不僅要能繼承，也必須要能創新。近年之作，如（因緣與遇見）系列作品是他力圖創新的嘗試。長期生活於都會區中，他對於都市景色必然不陌生，題材的入世，加上出俗的淡筆點染，一入一出之間，確實令人耳目一新。雖終又回歸寫實，不過此時已如禪語中所言：「見山是山，見山不是山，見山還是山。」境界已有所不同了。(文/林振莖)

林恬伶

林恬伶 LIN, Tien-Lin
現任 國立故宮博物院/器物數位典藏研究助理
法國梅斯大學藝術人文科學系造型藝術碩士

林恬伶以人當作創作的元素，是自大學時期就開始延續至今。而這一系列〈人〉的作品和以往不同的是，從探討人和人之間的互動，轉變為關注於在空間裡的人。一個沉默的畫家，以畫作來表達一切，似乎已經沒必要用言語來替自己的畫作添加更多的解釋。不同於當代藝術家呈現的眾生喧嘩，觀者必須借重更多的媒介和感官來了解演繹作品，要了解林恬伶的畫作，就是單純的關注作品本身。

〈人〉系列的作品本身就活生生的揭開眾生的表象，又極尖銳的將人包裹起來。乍看林恬伶大學時期的作品，會對畫面中如同人體器官，或某種會蠕動的東西，甚至如同外星生物的母題，不自覺的產生各種聯想。畫家成功的表露了母題所內涵的強烈的象徵意義，不但毫無保留，而且是直接的遞到觀眾的面前。

但是，當觀者很認真的作了各種聯想後，在察覺到作品名稱〈人〉時，又會產生另一種衝擊，不是視覺的，而是認知上的刺激。畫家這麼熱切瘋狂的將人從頭到腳包的密不通風，而且是每個人，又非常冷靜的觀察這些人類的行為和相處模式，使得畫作呈現出各種思考上的衝突感。這種衝突感來自於畫作中所觀察的“人”這種生物，不同於一般人依循的社會模式，畫家清楚的顯示出窺視的慾望，卻又謹慎尊重的保留人的隱私，這種有距離的熱情，讓強烈象徵性的畫作容易引發的瘋狂感受冷卻下來，也讓所謂窺視和觀察探討的界線更加分明。

相同的以人為主題，也同樣地以如同結著肉繭的軀體來象徵，林恬伶這次把人的距離拉的更開，關注在室內的人所呈現的狀態。有趣的是，當畫家重複使用相同的母題或媒材時，很容易讓人有煩膩感，可能是“人”這種生物的變化太吸引人，或是人類始終沒有把自己搞清楚過，所以這一系列「人」在室內的作品，還是有足夠的吸引力和新意。除了人本身，室內的空間是這批畫作的重點，似乎在窺視的窗子外根本沒有人，或是在室內的人也不在乎，這個室內的框架，只是為了單獨的研究人這個生物，自己本身那塊很私密，或很深沉的空間。相異於人群呈現的集體性或共同意識，室內的人的軀體互動性更加的細膩，透露出肉繭裡面真實的情感，感覺觀者在看著畫作時，是站在窗口外的那個人，只能透過窗子觀看，走不進去卻也拉不下窗簾，只能面對著室內的那些象徵性的軀體，直接感受。 (文 / 林以珞)

周成樑

周成樑 Chou,Cheng-Liang
2003 國立台南藝術大學造形藝術研究所畢業
1994 台北藝術大學美術系畢業

看周成樑近年來一系列的作品，讓人有如在看一本本的故事書般。原本就喜愛動物，觀察動物的他，由於孩子的誕生，和小孩相處時，帶給他嶄新的心境與不同已往的想法，尤其是每個人小時後都擁有的真摯與純真，在都市生活中逐漸的淡化。為了突顯出這種對比，他選擇象徵小孩童稚的玩具、以及可愛的動物，將這些動物玩具放大，甚至讓牠們動起來，走進城市中，穿梭在大街小巷裡。當現實與虛幻成功的交融時，畫作本身就有完整的故事性，停隔在最精采的片刻。

我們可以在周成樑的畫裡，找到長期生活在水泥建築林立，地狹人稠的都市人民無法滿足的渴望，他替觀畫者造夢，在畫中，寸土寸金的都市裡，隨處可見農田、大樹、騎馬的人與貓熊出沒…，讓人找到心靈舒壓的出口。現代人庸庸碌碌，汲汲營營在地位與財富的追逐，長期處在忙碌與壓力之中，逐漸遠離了大自然的擁抱，這些來自非都市文明的圖像符號，正好可以滿足人類常有的心靈需求。

在他的畫中，擁擠的都市叢林，屋頂成為他尋找最後淨土的寄託所在，因此他總是站在置高點遠眺都市的文明，他並不像印象派的藝術家一樣置身於都市之中，歌訟都市文明的進步，反而像是一位人類學者，不干擾、不介入，遠遠靜靜的觀察。他的畫最大吸引人之處不在於手繪的寫實功力，或討喜可愛的圖繪造型，而是在不合協之中所產生的矛盾張力，如在童稚、溫馨、祥和的氣氛中，卻有著陰鬱、不易親近的距離感；又如都市即景的遊樂園化所產生的現實與虛假的難以分辨。

於〈合力行舟〉作品中，貓熊乘著小木桶漂蕩在城市和城市間的河流中，那麼的可愛和無辜的不知道自己即將被送到何處？牠看向抬著船的小小的人們，似乎不能理解他們為什麼也要讓自己飄來蕩去的？而在〈登高〉系列裡，都市的疏離感逐漸的被綠意消減，畫面中心摘著蘋果的親子更瀰漫著一股淡淡的溫馨。此時樹木也在屋頂上找到屬於自己的位置，不斷的延伸至天際，相對於建築物有著原始的生命力，因為房子蓋的再高，也無法在歲月中自行增長。而人在〈登高〉的畫作中，彷彿找到了出口，可以藉著這些翠綠的樹幹往上攀爬，眺望著這個世界。

對周成樑來說，故事性的內容對作品或許有加分的效果，但絕對不是他欲表達的重點；他的畫也許讓人覺得帶了點灰色批判的省思，但也不是畫作所要強調的部份，在他眼裡，最在意的是當下創作的心境是否成功凝結於畫布之中。 (文/林振莖)

王鉅元

王鉅元 WANG, Ghu-Yuan
現任‧國立故宮博物院/器物數位典藏研究助理
法國梅斯大學藝術人文科學系造型藝術碩士

「理性的浪漫」是對王鉅元作品最直接的感受，平塗的色塊裡有著幽微的波動，在光線底下所呈現筆觸細緻的變化是很吸引人的。〈雲〉系列到現在的〈月〉系列的作品，畫家都盡力的在表現一種和諧的美。如同他自己在展覽自敘中所述，雲只是所選擇的元素，在創作的時候並不會去思考太多複雜的東西。創作者完成作品後在回頭審視畫作時，似乎是用另一雙眼睛去解剖自己的作品，到不如直接的回到畫的本身來看。

雲是王鉅元自大學時期就開始嘗試的題材，發展至2005年，作品累積出一定的成熟度。〈雲〉系列的畫作，除了顏色、構圖達到視覺的舒適度外，也具體的表現出抽象的時間象徵性。這一系列的作品能夠在豐厚沉靜的色塊中，將雲的流動性被突顯出來，同時也啟動時間開始運轉。其實平塗的油畫技法中，並不容易用色調和純粹的形狀去處理太過複雜的意涵。雲系列作品中，有一幅意外之作，卻呈現出令人驚豔的效果，如同中國宋代的瓷器的窯變般，油畫上意外的流淌出色彩的美感。

而這次〈月〉系列的作品，畫家嘗試將形體凝固，以圓當作元素，畫面呈現出更複雜的層次性。〈月〉系列的作品中，和〈雲〉系列作品相同，雲彩中白與灰黑色階細膩的處理，表現在月的形體中，只是象徵性的流動因素被圓的形狀框架住。因此，畫家對於畫面上如何將圓這個形狀放置，和背景介面的交融，除了構圖的和諧外，也必須突破色彩和筆觸更多的挑戰和變化。所以在〈月〉系列的作品中，除了延續〈雲〉系列的部分外，可以發現作品的面貌開始有新的改變，對於圓和背景交融的介面，畫家在這階段以陰影的色塊處理，當作中介點來處理這個過渡地帶，具像的如同月暈。有趣的是背景上穩定的色塊產生變動，在光線的折射下波浪性的筆觸呈現出特殊的效果，而圓構造內細膩層疊的油彩消失了，筆觸雖然在圓內鬆散開來，卻仍然維持著理智的狀態。

〈月〉系列的作品是王鉅元嘗試性的發展開端，可以看到創作的延續性，也有試圖轉折的實驗型作品，不變的在於濃郁色彩的美感，以理性的筆觸和形體呈現，讓人期待這一系列作品在未來所延伸的樣貌。 (文 / 林以珞)